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Frases Célebres en el Arte

Toda pintura es un hecho: las pinturas están cargadas con su propia presencia.

Andy Warhol

"Lo malo de la pintura abstracta es que hay que molestarse en leer el título de los cuadros".

Óscar Pin

* * * * * * * * *

Pablo Picasso
1881-1973. Pintor español.

"No hay arte abstracto, siempre hay que comenzar por algo".

Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta.

La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando.

El camino de la juventud lleva toda una vida.

El arte es una mentira que nos acerca a la verdad.

Aunque sólo existiera una verdad única, no se podrían pintar cien cuadros sobre el mismo tema.

El principal enemigo de la creatividad es el buen gusto.

Cuando me dicen que soy demasiado viejo para hacer una cosa, procuro hacerla enseguida.

Lleva tiempo llegar a ser joven.

La pintura es más fuerte que yo, siempre consigue que haga lo que ella quiere.

"No se puede contrariar la naturaleza es más fuerte que el mas fuerte de los hombres"

"Repetir es ir contra las leyes del espíritu, es huir hacia delante"

"Las pinturas nunca están terminadas. Suelen detenerse llegado el momento porque sucede algo que provoca una interrupción"

"Yo no busco, encuentro"

"Nunca dejamos de buscar, porque nunca encontramos"

"Cuando no tengo azul, pongo rojo"

"Nunca hay un momento en el que puedas decir: - he trabajado duro y mañana es domingo -".

"No digo todo, pero pinto todo…"

Lo que veo lo represento, unas veces de una forma y otras veces de otra. Si tengo algo que decir, lo digo como creo que tengo que decirlo .

No existe un arte pasajero. Solo existen artistas buenos o artistas menos buenos.

Siempre he pintado para mi época. Nunca me he agobiado buscando un ideal.

Las grandes elevaciones del alma no son posibles sinó en la soledad y en el silencio.

Fernando Botero

1932- Pintor, dibujante y escultor colombiano

Cuando comienzas una pintura es algo que esta fuera de ti, Al terminarla parece que te hubieras instalado dentro de ella

Leonardo Da Vinci
1452-1519. Pintor, escultor e inventor italiano.

Quien de verdad sabe de qué habla, no encuentra razones para levantar la voz.

La pintura es poesía muda; la poesía pintura ciega.

La belleza perece en la vida, pero es inmortal en el arte.

El ojo recibe de la belleza pintada el mismo placer que de la belleza real.

He ofendido a Dios y a la humanidad porque mi trabajo no tuvo la calidad que debía haber tenido.

Así como una jornada bien empleada produce un dulce sueño, así una vida bien usada causa una dulce muerte.

Reprende al amigo en secreto y alábalo en público.

Así como el hierro se oxida por falta de uso, también la inactividad destruye el intelecto.

Verdaderamente, el hombre es el rey de los animales, pues su brutalidad supera a la de éstos.

Quien no castiga el mal, ordena que se haga.

Mientras pensaba que estaba aprendiendo a vivir, he aprendido cómo morir.

Si es posible, se debe hacer reír hasta a los muertos.

Nuestras mayores tonterías pueden ser muy sabias.

Francis Picabia
1879-1953. Pintor francés.

La única manera de ser seguido es correr más deprisa que los demás.

Nuestra cabeza es redonda para permitir al pensamiento cambiar de dirección.

Mejor no hacer nada que hacer cualquier cosa.

Hay que hacer algo, pero no pensar en hacer algo.

Auguste Renoir
Pintor francés.

En la vida los bloques de granito se hunden; los corchos siguen flotando.

La pintura se aprende en los museos.

Auguste Rodin
1840-1917. Escultor francés.

Útil es todo lo que nos da felicidad.

El arte es el placer de un espíritu que penetra en la naturaleza y descubre que también ésta tiene alma.

En la naturaleza están todos los estilos futuros.

No basta trabajar, es preciso agotarse todos los días en el trabajo.

Salvador Dalí
1904-1989. Pintor y escultor español.

Muchas personas no cumplen los ochenta porque intentan durante demasiado tiempo quedarse en los cuarenta.

La mayor desgracia de la juventud actual es ya no pertenecer a ella.

El que quiere interesar a los demás tiene que provocarlos.

La única diferencia entre un loco y yo es que yo no estoy loco.

Es fácil reconocer si el hombre tiene gusto: la alfombra debe combinar con las cejas.

Edgar Degas
1834-1917. Pintor francés.

Un cuadro debe ser pintado con el mismo sentimiento con que un criminal comete un crimen.

Eugène Delacroix
1798-1863. Pintor francés cuya obra constituye un gran exponente del romanticismo del siglo XIX.

A veces hay que estropear un poquito el cuadro para poder terminarlo.

El primer mérito de un cuadro es ser una fiesta para la vista.

La música es la voluptuosidad de la imaginación.

Desear lo mejor, recelar lo peor y tomar lo que viniere.

Marcel Duchamp
1887-1968. Pintor francés

Hay millones de artistas que crean; sólo unos cuantos miles son aceptados o, siquiera, discutidos por el espectador; y de ellos, muchos menos todavía llegan a ser consagrados por la posteridad.

Siempre son los demás los que se mueren.

Vivir es más cuestión de lo que uno gasta que de lo que uno hace.

Contra toda opinión, no son los pintores sino los espectadores quienes hacen los cuadros.

Max Ernst
1891-1976. Pintor y escultor alemán.

No puede haber una revolución total sino una revolución permanente. Como el amor, es el goce fundamental de la vida.

El arte no tiene nada que ver con el gusto. No existe para que se le pruebe.

Juan Gris
1887-1927. Pintor español.

Después de todo, la pintura se ha de hacer tal como uno es.

Antoni Tapies
1923-?. Pintor español.

El arte es la filosofía que refleja un pensamiento.

Vincent Van Gogh
1853-1890. Pintor postimpresionista holandés.

Se puede tener, en lo más profundo del alma, un corazón cálido, y sin embargo, puede ser que nadie acuda a él.

¿Qué sería de la vida, si no tuviéramos el valor de intentar algo nuevo?

Sufrir sin quejarse es la única lección que debemos aprender en esta vida.

El arte es el hombre añadido a la naturaleza.

Cuando siento una necesidad de religión, salgo de noche para pintar las estrellas.

Cuando un ciego grita a otro ciego, los dos tropiezan en la misma piedra.

Frank Lloyd Wright
1867-1959. Arquitecto estadounidense.

Cuanto más vivo, más maravillosa se vuelve la vida.

La verdad es más importante que los hechos.

Un experto es un hombre que ha dejado de pensar: sabe.

No me importaría que la opera desapareciera. Desde que era un niño, me pareció un pesado anacronismo, casi el equivalente de fumar.

La verdad puede ocultarse, pero no extinguirse.

La juventud no es más que un estado de ánimo.

***

Obras de arte

El primer mérito de un cuadro es ser una fiesta para la vista.
Eugène Delacroix (1798-1863) Pintor francés.

Todas las obras de arte deben empezar por el final.
Luis García Berlanga (1921-?) Director de cine español.

Las obras de arte nacen siempre de quien ha afrontado el peligro, de quien ha ido hasta el extremo de la experiencia, hasta el punto que ningún humano puede rebasar. Cuanto más se ve, más propia, más personal, más única se hace una vida.
Edgar Allan Poe (1809-1849) Escritor estadounidense.

Las obras de arte hablan de sus autores, introducen en el conocimiento de su intimidad y revelan la original contribución que ofrecen a la historia de la cultura.
Rainer María Rilke (1875-1926) Escritor austríaco.

Los cuadros están hechos para estar en lugares de meditación.
Juan Pablo II (1920-2005) Papa de la iglesia católica.

Las obras maestras del arte tienen a los ricos por esposos, pero a los pobres por amantes.
Guillermo Pérez Villalta (1945-?) Pintor español.

La obras de arte se dividen en dos categorías: las que me gustan y las que no me gustan. No conozco ningún otro criterio.
Anónimo

Contra toda opinión, no son los pintores sino los espectadores quienes hacen los cuadros.
Antón Pavlovich Chéjov (1860-1904) Dramaturgo y autor de relatos ruso.

Hay obras maestras que lo son por el monumental aburrimiento que provocan.
Marcel Duchamp (1887-1968) Pintor francés

Todas las obras de arte deben empezar por el final.
Luis García Berlanga (1921-?) Director de cine español.

Si la inspiración no viene a mí salgo a su encuentro, a la mitad del camino.
Edgar Allan Poe (1809-1849) Escritor estadounidense.

La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando.
Sigmund Freud (1856-1939) Médico austriaco.

Inspiración y genio son casi la misma cosa.
Arturo Graf (1848-1913) Escritor y poeta italiano.

Nada es más nocivo para la creatividad que el furor de la inspiración.
Victor Hugo (1802-1885) Novelista francés.

******
A veces hay que estropear un poquito el cuadro para poder terminarlo.
Eugène Delacroix (1798-1863) Pintor francés.

Si yo pinto a mi perro exactamente como es, naturalmente tendré dos perros, pero no una obra de arte.
Johann Wolfgang Goethe (1749-1832) Poeta y dramaturgo alemán.

Una pintura es un poema sin palabras.
Quinto Horacio Flaco (65 AC-8 AC) Poeta latino.

Un cuadro debe ser pintado con el mismo sentimiento con que un criminal comete un crimen.
Edgar Degas (1834-1917) Pintor francés.

Un buen retrato es una biografía pintada.
Anatole France (1844-1924) Escritor francés.

El ojo recibe de la belleza pintada el mismo placer que de la belleza real.
Leonardo Da Vinci (1452-1519) Pintor, escultor e inventor italiano.

Antes del impresionismo no había sombras azules.

Oscar Wilde (1854-1900) Dramaturgo y novelista irlandés.

Minimalismo

El minimalismo es una corriente estética derivada de la reacción al pop art. Frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo barajó conceptos diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial para la comprensión y la vida de la obra.

Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, los volúmenes y formas en escultura. De forma análoga proceden en la arquitectura o en la pintura. Intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones.

Arte Popular

Arte pop

El arte pop (del inglés Pop-Art, "Arte Popular") fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.

Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término "Pop-Art" fue utilizado por primera vez por el crítico holandés Lawrence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi entre otros. Otro crítico, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término Neo-Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética.

El arte pop es la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adicción. El máximo exponente del movimiento, Andy Warhol, afirmaba que "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina". También es simbólica la afirmación de Richard Hamilton con respecto a su deseo de que el arte fuera "efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso". Todas ellas serían cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo.

Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de arte final. Sin embargo, el Arte Pop descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje.

Vuelven los 80 al mundo del arte

Vuelven los 80 al mundo del arte

El arte responde a ciclos pendulares, de extremos, donde una corriente por lo general sustituye a otra opuesta por completo. Y, en esta época de adopción artística de cualquier corriente previa, poco a poco va abriéndose paso a paso la influencia de una forma de hacer que marcó la cultura durante años y que hoy día la moda, el cine y la televisión han recuperado para los más nostálgicos: los años 80. Tan sólo hay que acercarse a galerías y retrospectivas de museos para comprobar que son informalistas y artistas pop quienes copan buena parte de un recuerdo plagado de grandes nombres.

Aquellos maravillosos años...

Los 80 asistirán al apogeo de Warhol y a su conversión en icono, a la difusión de nombres como el Equipo Crónica o Tàpies en España; de todo un sistema informalista -entendido como un conjunto- que supondrá la "culminación" histórica de la ambigüedad de la experimentación abstracta, de la no-lógica y del objeto de arte como un elemento pensado para generar una reflexión sobre sí mismo. Es el momento de las postvanguardias, cuando el neodadaísmo y la provocación en el arte causen furor. Un periodo de la Historia del arte donde el carácter de acción (la ejecución antes que la obra en sí misma) prime, abarcando a todas aquellas corrientes gestadas al calor de la experimentación y la búsqueda, fuertemente arraigadas en la sociedad de consumo.

A vueltas con el "revival"

Y, en arte, las tendencias, como en la moda, son precarias: todo movimiento pasado está condenado a ser repetido a través de la lente de la reinterpretación para, después, ser abandonado de nuevo. Así, en la actualidad, y tras recuperar en los últimos años la asunción de nuestra conciencia egoísta de pirámide capitalista, el mercado del arte ha vuelto a llenarse de obras donde es la materia la que prima, la que domina la obra: la gestualidad, la energía, son preponderantes, junto con un cierto aire naïf -engañoso siempre- que no puede evitar recordarnos al arte popular. Y es que el revival ochentero iniciado por el márketing ha acabado alcanzando al mundo del arte, quizá sin intención y sólo como causa última de una tendencia que se venía respirando en los últimos años y que, ahora, se ha concretado en un estilo muy particular. Atrás quedaron los tiempos de vanguardias neoplásticas y pintura-pinturas y vuelve a hacer furor un tipo de arte que obtiene sus temas de la sociedad de masas y sus formas de medios de expresión que perfectamente podrían entroncar con el cómic. Y si alguien no está de acuerdo tan sólo ha de echar la vuelta atrás y comparar a Warhol y sus latas de sopa Campbell con Hirst y las famosas y recientemente carísimas Lullaby Spring y For the love of God, o con las peculiares piezas -puppies y demás- de Jeff Koons; recordar que nombres como el de Luis Feito y el ya citado Tàpies son habituales en las casas de subastas; analizar la conversión en icono de una figura como Banksy, o pensar en el éxito del arte de procedencia oriental y sus características (Takashi Murakami, por ejemplo, es una buena muestra de ello...).

Tayectoria Artistica

WALTER ARLAND

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2010 Escalona para la Memoria “Vuelo de Golondrina”, Sala de Exposiciones Biblioteca Rafel Carrillo Lúquez, Valledupar
2008 "Fruta Fresca", Flamingo Road Gallery, Bogotá D.C.
2004 Pinturas y dibujos, Galería Chica Morales, Cartagena
1998 Obras Recientes, Casa Municipal de Cultura de Valledupar.
1997 Caprichos en Verde, Montealegre Galeria de Arte. Bogotá D.C.
1996 Colores del Caribe, Flamingo Road Gallery, Bogotá D.C.
1987 Ventana al Caribe, Casa de las Américas, San Juan de Puerto Rico.
1995 Luz y Sombra, Flamingo Road Gallery, Bogotá D.C.
1994 Ventana al Caribe, Capilla del Edificio Marco Fidel Suárez (Palacio de San Carlos) Ministerio de Relaciones Exteriores, Bogotá D.C.
1994 Naturaleza Muerta, Weiss Sori Fine Art., Miami, Florida EE.UU.
1990 Dibujos, Pinturas y Esculturas, Galería el Caballet, Valledupar.
1988 Insinuantes Calabazos, Sala Gastón Abello, Cámara de Comercio, Barranquilla.
• Calabazos Insinuantes, Sala de Exposición, Granahorrar, Santa Marta.
1987 Cesar Veinte Años, Casa de la Cultura, Valledupar, Colombia.
1986 Los Calabazos, Instituto de Cultura y Turismo del Cesar, Valledupar.
1985 XVII Festival de la Leyenda Vallenata, Instituto de Cultura del Cesar, Valledupar.
1983 El Diseño iconográfico de los Arahuacos, Casa de la Cultura, Valledupar.

EXPOSICIONES COLECTIVAS

2006 Arte Erótico, Galería Carlos Nieto, Bogotá D.C.
2005 Pinturas y Esculturas, Galería Arte&Valores, Bogotá D.C.
2004 Colectiva Pintores Contemporáneos, Club ECOPETROL, Bogotá.
• New Realism, Esculturas y Pinturas, Galería Mery Palma, Ciudad de Panamá.
2003 Realismo II, Bronxville Art. Gallery, New York, EE. UU.
• Arte Latinoamericano, La Boheme Fine Art., Miami, EE. UU.
• Art. Miami 2003, Fine Art., Miami, EE. UU.
• Una cosecha de Arte por la Paz, Club El Country, Bogotá D.C.
2002 Chritie’s New York Arborizarte (Gran Subasta Escultura Urbana), Club los Lagartos Bogotá D.C.
• Arte Latinoamericano, Galería Francisco Nader, Santo Domingo, Republica Dominicana
• Gran Formato, Galería Color y Forma, Medellín, Colombia.
Realismo II, The Wall Gallery, Hotel Dan Carton, Bogotá D.C.
2001 Ventana al Caribe, Galería Colores San Juan, Puerto Rico.
• Arborizarte (Gran Exposición de Escultura Urbana) Fundación Corazón Verde- Plaza de Bolívar, Bogotá D.C.
2000 Realismo, Sori Fine Art, Miami, Florida EE.UU.
1999 Figuras, Escuelas de Bellas Artes de Valledupar.
1998 Pequeño Formato, Galería Goyas, Bogotá D.C.
1996 Colectiva. Galería Arte Moderno. Bogotá D.C.
1995 12 Pintores Colectiva, Galería Cristha Cristiam. Bogotá D.C.
1995 Espacio y Tiempo en cuatro Artistas, Sala de Exposiciones, Banco Ganadero, Bogotá D.C.
1994 Naturaleza Muerta, Hyatt Regency, Tampa Florida EE.UU.
1992 Homenaje al Maestro Alejandro Obregón, Galería de Arte del Country Club , Barranquilla
1990 Gran Colectiva Pintores Contemporáneos, Galería de Arte el Cesar, Bogotá D.C.
1989 Pinturas y Pintores, Casa de la Cultura, Valledupar.
• Primer Salón Nacional del Bodegón, Museo Bolivariano, Santa Marta.
1988 La Pintura Vallenata, Planetario Distrital, Bogotá D.C.
1987 El Arte en el Cesar, Centro de Convenciones, Gonzalo Jiménez de Quezada, Bogotá D.C..
1987 Cuatro Artistas de Valledupar, Salón Múltiple, Teatro Amira de la Rosa, Banco de la República, Barranquilla.
1986 La Colección del Palacio de Nariño. Museo Nacional. Bogotá D.C.
1986 Navidarte en la Candelaria, Casa de la Independencia, Bogotá D.C.
1985 XXIX Salón Nacional de Artes Visuales, Museo Nacional. Bogotá D.C.
1985 Arte del Caribe Colombiano. Centro Colombo Americano, Barranquilla.
• Arte del Caribe Colombiano, Museo de Arte Moderno, Cartagena.
1985 Arte del Caribe Colombiano, Biblioteca Nacional. Bogotá D.C.
1985 Valledupar 435 Años, Instituto de Cultura y Turismo. Cesar. Valledupar
1984 Rasgos Regionales, Casa de la Cultura, Valledupar.
• Exposición Colectiva, Inauguración Escuela de Bellas Artes de Valledupar.
• V Salón Regional de Artes Visuales, Museo de Arte Moderno, Cartagena.
1983 Artes Plásticas del Cesar, Casa de la Cultura, Valledupar.
1982 Plástica regional, Casa de la Cultura, Valledupar.

Reseña Biográfica

Walter Arland

Artista Colombiano con interés en la pintura, la escultura y el grabado. en 1980 después de terminar sus estudios básicos descubre su pasión por el arte, en 1983 ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Valledupar, siendo todavía estudiante, es seleccionado en el V Salón Regional de Artes Visuales realizado en el Museo de Arte Moderno de Cartagena (1984) junto con un grupo de artistas del caribe colombiano para el XXIX Salón Nacional de Artes Visuales, Museo Nacional de Colombia que se organizo en conjunto a la primera gran retrospectiva del maestro Alejandro Obregón. Considerado como una de las jóvenes promesas del arte colombiano de los años ochenta, a mediados de 1985 expone en solitario en la Casa de la cultura de Valledupar, en 1988 fue invitado por la Galería Granahorrar en Santa Marta, inmediatamente después es invitado a exponer en la sala Gastón Abello de la Cámara de Comercio de Barranquilla con relevante éxito. Sus Obras, con utensilios cotidianos representados en su mayoría por naturalezas muertas, pintadas con oficio y maestría, contribuyen a cimentar su reputación en los ochenta. En los inicios de la década siguiente, se radica en Bogotá, comienza por realizar obras de gran formato con temas muy sencillos y de mágico realismo, es invitado a exponer sus obras en la Capilla del Edificio Marco Fidel Suárez (Palacio de San Carlos) Ministerio de Relaciones Exteriores Bogotá. Su obra marcaba los límites entre pintura y escultura, por esa razón en 1993 realiza sus primeras esculturas en bronce. en el nuevo siglo emplea por lo general un estilo minimalista y sustancial donde refleja la economía estética de la pintura contemporánea. A pesar de que sus pinturas de bodegones con mangos, sandias, melones..., ventanas, y paisajes de gran formato (2001), son fieles a una pictografía simplificada, mantienen una innegable presencia física logrando hacer tangible algo en apariencia surrealista. Con frecuencia sus piezas recurren al detalle y poseen, buena parte de ellas, interés por explorar nuevas formas de ver el arte. En el 2004 expone con la galería Chica Morales en Cartagena donde se ve una aproximación al Arte Pop (Pop Art) presencia de ello reflejada en sus obras de los años 1984-1988 "Después de la parranda" y "El tinajero de mi abuela cuando era nuevo" entre otras; realiza tanto retratos, interiores, como paisajes y bodegones caracterizados por líneas depuradas, colores planos y brillantes; se destaca en su trabajo el virtuosismo de su dibujo y el sentido de lo decorativo. También ha hecho algunas incursiones en el Op Art. Arte cinético basado en la iconografía de las mochilas arhucas y sus abstracciones.

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